Dans une certaine mesure, ceux qui ont vécu à l'époque du rococo n'en avaient même pas conscience. Ce terme, qui désigne le style décoratif de la période allant de 1720 à 1770 environ, n'a été inventé qu'à la fin du XVIIIe siècle par l'artiste français Pierre-Maurice Quay, représentant du classicisme strict et élève de Jacques-Louis David. En employant le terme « rococo », il faisait référence à la rocaille, élément central de ce style ludique.
Comme souvent en matière de mode, le rococo trouve son origine en France, où un classicisme baroque et pompeux était en vogue jusqu'à la mort de Louis XIV, faisant de la cour du Roi-Soleil la plus somptueuse de toute l'Europe. Le roi rassemblant la noblesse française dans l'immense château de Versailles, le bâtiment (et donc Louis lui-même) devint le centre de la vie sociale.
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Lorsque Louis XIV meurt en 1715, son successeur, son arrière-petit-fils Louis XV, n'a que cinq ans et le neveu de l'ancien roi, Philippe, duc d'Orléans, est nommé régent du nouveau roi. La phase suivante, qui dure jusqu'en 1723, est connue sous le nom de Régence et constitue la base du style rococo ultérieur.
Avec Philippe d'Orleans, la cour se réinstalle à Paris, où le régent réside au Palais Royal, résidence de sa famille. La noblesse s'installe également avec lui dans la capitale, où elle vit dans de somptueux hôtels particuliers, et non plus dans les petites chambres du château de Versailles. Ils profitent de la vie de la grande ville et rencontrent des philosophes et des scientifiques, des poètes, des hommes et des femmes de salon.
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Au lieu de flatter le roi par une vie publique à la cour et d'espérer une fonction dans la structure stricte du protocole de la cour, la vie privée a commencé à jouer un rôle plus important, ce qui était perceptible dans l'art, la décoration et la mode. L'inspiration est venue de la nature, qui a conquis les pièces avec des éléments délicats, pour la première fois non dominés par une géométrie stricte. Plus la pièce est privée, plus son décor est rococo. Il s'agissait d'un style privé qui devait faire oublier tout protocole. Des palais de plaisance meublés de cette manière ont vu le jour un peu partout.
À partir de 1730, l'élément central est la rocaille, qui se présente sous la forme de volutes asymétriques en forme de c ou de s. Cette technique a donné naissance à des spirales imaginatives de stucs et de sculptures en bois qui formaient un cadre pour les plafonds et les murs, les tableaux et les miroirs, ainsi que pour toutes sortes de meubles. Pour un aspect raffiné, les cadres étaient généralement décorés de feuilles d'or ou d'argent et, dans le cas de décorations de pièces particulièrement luxueuses, la décoration murale et le mobilier se fondaient l'un dans l'autre pour créer un ensemble harmonieux.
Les cadres étaient complétés par des images d'origines diverses. Certains sont des fêtes galantes, qu'Antoine Watteau a introduites dans l'art à l'époque de la Régence. Elles montrent la société courtoise en train de faire l'amour dans un décor arcadien.
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Le retour à la nature donne également naissance aux scènes pastorales installées dans un cadre similaire, qui font rêver l'aristocratie et la bourgeoisie grandissante d'une vie simple à la campagne. Ces rêveries, alimentées par les écrits de philosophes tels que Jean-Jacques Rosseau, vont jusqu'à pousser les élites fortunées à construire des villages de fortune dans les parcs de leurs châteaux afin de reconstituer la vie pastorale. L'exemple le plus célèbre est sans doute le Hameau de Marie-Antoinette dans le parc du château de Versailles.
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Mais la tendance à la ruralité est également venue d'Angleterre, où l'on a progressivement abandonné la stricte symétrie des jardins baroques, avec leurs haies taillées et leurs allées rectilignes, pour se promener dans des jardins paysagers d'apparence naturelle mais construits, où les grottes artificielles, les temples grecs et les pagodes chinoises côtoyaient de fausses fermes.
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En parlant de « chinois », les décorations exotiques avec des motifs d'Extrême-Orient, les « chinoiseries », étaient une autre composante du rococo, servant de monde imaginaire à côté de l'Arcadie et des idylles pastorales. Grâce au commerce avec l'Asie orientale, les laques et les porcelaines chinoises et japonaises étaient devenues à la mode en Europe et étaient facilement importées. Ils représentaient des paysages avec des plantes et animaux exotiques qui décrivaient une vie harmonieuse dans les deux empires lointains.
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Les grands ébénistes du XVIIIe siècle utilisaient des panneaux de laque pour fabriquer des commodes, des armoires et des bureaux. Des pièces entières étaient également meublées avec ces panneaux. Le cabinet japonais de l'ancien palais du parc de l'Ermitage à Bayreuth, aménagé en 1739, en est un bel exemple. La cliente était la Margravine de Bayreuth, en Allemagne, Wilhelmine, princesse de Prusse et sœur préférée de Frédéric le Grand. Wilhelmine a créé sa propre expression du rococo à Bayreuth, tout comme son frère royal l'avait fait avec le rococo friderizien à Potsdam.
La porcelaine a également fait l'objet d'une attention particulière dans des salles dédiées. Celles-ci étaient d'abord réservées aux importations en provenance de Chine, jusqu'à ce que la porcelaine européenne soit inventée à Meissen et que la première manufacture soit fondée en 1710. Dans un premier temps, les artisans copiaient les originaux de Chine, mais ils ont rapidement trouvé leur propre style, qui s'intégrait parfaitement à l'époque rococo et jouait un rôle important dans son identité. Les consoles, tables et cheminées sont désormais peuplées de vases filigranés, de groupes de personnages galants, de représentants naturalistes de la faune et des dieux de l'Olympe, sortis des fours de Meissen, Sèvres, Vienne, Munich ou Berlin.
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On retrouve des thèmes similaires dans le développement de la peinture rococo avec ses nus sans ombre, ses idylles rurales, ses scènes de genre élégantes et ses portraits aux délicates teintes pastel. Le maître en la matière était François Boucher, qui a peint la Vénus exposée ainsi que sa patronne, la toute-puissante maîtresse royale Madame de Pompadour, ou des scènes de genre qui donnent un aperçu privé du monde rococo.
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Le rococo se caractérise par des contrastes, où l'inspiration de la nature rencontre un embellissement particulièrement orné. Le style reflète ainsi parfaitement son époque, où l'alchimie devient chimie et la superstition science ; où se juxtaposent la raison et la foi, l'immoralité et le romantisme naissant, et finalement même la monarchie et la république - comme un chant du cygne à une époque vouée à l'échec.
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La période rococo couvre en grande partie le règne de Louis XV de France (1723-74), c'est pourquoi les meubles et les décorations de style Louis XV sont des pièces typiques du mobilier rococo à acheter. Les acheteurs doivent toutefois savoir que le XIXe siècle a vu une renaissance du rococo, qui l'a copié, parfois pour le meilleur, parfois pour le pire.
En fait, le rococo n'a pas disparu des salons du jour au lendemain. Il s'agit d'une évolution qui commence vers 1760-70 et qui est déclenchée par la redécouverte des idéaux gréco-romains, dans laquelle les fouilles de Pompéi à partir de 1763 jouent un rôle important. Sur le chemin du classicisme, un style de transition est apparu, nommé d'après le nouveau roi de France, Louis XVI (règne 1774-1792), bien que ce soit en fait son épouse Marie-Antoinette qui l'ait particulièrement influencé par son goût. Ici, l'espièglerie du rococo sous forme de guirlandes rencontre les lignes droites du classicisme - une conclusion digne d'une époque marquée par les contrastes.
