Paul Jackson Pollock (1912-1956) naît en 1912 dans une famille ouvrière de Cody, dans le Wyoming. Soumise aux obligations du travail de son père, un géomètre, la famille quitte Cody alors que Jackson (le plus jeune de cinq enfants) n’a que onze mois et déménage plusieurs fois en Californie et en Arizona. Alcoolique et violent, son père finit par claquer la porte du foyer définitivement et Jackson, âgé de 8 ans, s’en remet à son frère aîné, Charles, qui l'encourage grandement à devenir peintre. Jackson, peu sûr de lui et doutant de ses talents, se fie beaucoup aux conseils de son frère aîné, qui l'encouragera également plus tard à déménager à New York. La passion de Jackson pour les arts est évidente dès son plus jeune âge, lorsqu'il ouvre sa propre « galerie d’art » dans le poulailler de la propriété familiale.
L'esprit [de Pollock] était absolument incapable de suivre des séquences logiques. On ne pouvait pas lui apprendre quoi que ce soit.
Pendant son adolescence, Jackson commence à boire beaucoup, une dépendance qui le perturbera toute sa vie. Lee Krasner (son épouse à partir de 1945) déclarera plus tard dans une interview qu'il avait une relation difficile avec sa mère, ce qui, selon elle, a été l'une des principales raisons de ses rechutes constantes.
En 1928, déjà victime d’une grande quantité de brimades, Pollock décide de quitter son lycée et de déménager à Los Angeles avec sa mère, où il fréquente la Manual Arts High School.
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C'est là que Pollock rencontre celui qui influencera grandement son style artistique : Frederick John de St. Vrain Schwankovsky. Ce dernier lui fait découvrir l'art moderne européen et la littérature théosophique, ainsi que les discours de son ami proche et ancien messie théosophique, Jiddu Krishnamurti. Ces découvertes sont cruciales dans le développement du rôle de l'imagerie inconsciente dans ses peintures.
C'est pendant son séjour à Los Angeles que le jeune artiste se transforme en un fauteur de troubles. Il est expulsé deux fois de son lycée mais continue néanmoins à s'intéresser aux œuvres d'artistes tels que Diego Rivera et d'autres muralistes, qui deviendront plus tard ses principales influences.
Après avoir terminé ses études secondaires à Los Angeles, Pollock rejoint ses frères Charles et Frank à New York, où il commence à suivre des cours de sculpture. Il suit son frère aîné à l'Art Students League, où il étudie avec Thomas Hart Brenton. Brenton expose Pollock aux artistes de la Renaissance et lui donne même des cours particuliers, car « l’esprit [de Pollock] était absolument incapable de suivre des séquences logiques. On ne pouvait pas lui apprendre quoi que ce soit ».
Pendant ses études à la Students League, Pollock s'intéresse de plus en plus aux peintres muralistes. Il va admirer les fresques de Diego Rivera à San Francisco et la peinture murale Prometheus de José Clemente Orozco au Pomona College. En 1934, il a même l'occasion d'observer Rivera en pleine action, alors qu'il peint sa fresque controversée Man at the Crossroads au Rockefeller Center.
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Bien que l'artiste soit captivé par l'animation de New York et par le dynamisme de sa scène artistique, rien ne parvient à le distraire de son problème d’alcoolisme et de sa dépression croissante. Lorsque son père meurt en 1933, il emménage dans un appartement avec son frère Charles et sa femme Elizabeth, la moitié de l'espace étant occupée par l’artiste et l'autre moitié par le couple. C'est là que Pollock peint sa première grande œuvre murale, inspirée par les peintures d'Orozco.
En 1935, Pollock trouve un emploi au Federal Arts Project de la Works Progress Administration (WPA), où son frère Sande (Sanford) travaille également. Au cours des années suivantes, Sande devient une figure importante dans la vie de Pollock, qui traverse de profonds troubles émotionnels en commençant néanmoins à trouver sa place dans le monde de l’art.
Pollock rencontre le muraliste et antifasciste mexicain David Alfaro Siqueiros, pour lequel il crée, avec d'autres jeunes artistes, des œuvres d'art publiques à grande échelle afin de soutenir la cause antifasciste. Siqueiros initie Pollock à des techniques artistiques non conventionnelles, telles que l'égouttement et le versement de la peinture directement sur la toile, qui deviendront plus tard la source de son style emblématique.
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En 1937, la dépression et la consommation d'alcool de Pollock s’aggravent tellement que Sande lui demande de consulter un spécialiste. Malheureusement, rien ne l'aide à se remettre de ses troubles, car d’autres obstacles affectent son bien-être. Au cours de l'année suivante, il demande une femme en mariage, qui rejette son offre, il perd son emploi en raison de son état de santé fragile, et se fait admettre dans un hôpital où il suit des traitements freudiens.
Peu de temps après sa sortie de l’institution médicale, il fait une deuxième dépression et commence un nouveau traitement dans l'établissement du Dr Joseph Henderson, qui utilise des dessins et d'autres images comme outils thérapeutiques. C'est ainsi que Pollock commence à utiliser son art pour explorer son subconscient et toucher du doigt les raisons de sa grave dépression. Les peintures de l'artiste deviennent extrêmement personnelles, et Pollock voit cette nouvelle approche comme «… une découverte de soi. Tout bon artiste peint ce qu'il est. L'artiste moderne travaille avec l'espace et le temps et exprime ses sentiments plutôt que d’illustrer ». Sa santé mentale instable l’empêche de s'engager dans l'armée lors de l'entrée des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale.
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Les choses changent du tout au tout lorsqu'il rencontre sa future femme et son plus grand soutien moral, l’artiste Lee Krasner (1908-1984). Lors d’une exposition collective chez McMillen Inc. à laquelle les deux peintres participent, Krasner est interpellée par le travail de Pollock. Elle lui rend visite dans son appartement la semaine suivante, sans savoir que cette décision allait initier une relation émotionnelle et artistique intense, qui durera jusqu'à la mort précoce de Pollock.
À la fin de l'année, Krasner s'installe chez Pollock, où ils passent la plupart de leur temps à peindre et à discuter de leurs œuvres.
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La carrière de Pollock connaît un tournant décisif lorsqu'il rencontre, grâce à Krasner, la mécène Peggy Guggenheim en 1942. Guggenheim présente son œuvre Collage dans sa galerie Art of This Century lors d'une exposition de groupe consacrée à l’art du collage. Guggenheim décrira sa galerie comme un « laboratoire de recherche pour de nouvelles idées », car selon elle, les artistes doivent se « servir l'avenir au lieu de ressasser le passé ».
En 1943, elle demande à Pollock de créer un grand tableau pour son appartement, qu'il aurait, selon la légende racontée par Krasner, terminé en une seule journée, et ce après une longue période pendant laquelle il était incapable de peindre. Des études ultérieures ont démontré qu'il était plus probable que le tableau ait été réalisé sur plusieurs semaines.
Guggenheim lui offre également sa première exposition solo et une allocation mensuelle de 150 dollars, lui permettant de peindre à plein temps. L’opportunité arrive à point nommé, car Pollock vient d’être licencié de son emploi (très court) de graveur pour sa consommation excessive d'alcool. Il ressort néanmoins de cette brève expérience professionnelle armé de connaissances sur diverses techniques d'impression, comme la sérigraphie, qu'il utilisera dans certaines de ses œuvres au cours des années suivantes.
L'année suivante, Pollock vend sa première toile à un musée : She-Wolf (1943) est achetée par le Museum of Modern Art pour 650 dollars. Bien qu'il ait fallu beaucoup de persuasion pour convaincre le directeur d'acquérir la peinture, elle deviendra par la suite l'une des œuvres d'art les plus précieuses du MoMA.
La première exposition personnelle de Pollock se tient en 1945 et comprend des peintures, des dessins sur papier et des gouaches telles que The Mad Moon-Woman, Pasiphaë, Male and Female et Stenographic Figure. L'exposition gonfle sa notoriété et certaines de ces œuvres sont choisies pour être exposées à nouveau au San Francisco Museum of Art.
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Des personnalités influentes telles que Piet Mondrian, Marcel Duchamp et Clement Greenberg commencent à voir le véritable potentiel du travail de Pollock, qui semble, par rapport à tout le reste, très individuel et profond. Lorsqu'on l'interroge sur son style, Pollock répond simplement : « Je suis très représentatif parfois. Mais lorsque vous peignez à partir de votre inconscient, les figures ne peuvent qu’émerger ».
En 1945, bien que l'artiste connaisse un grand succès à New York, lui et Krasner, qui viennent de se marier dix jours plus tôt, décident de s'installer à The Springs, à Long Island, où ils suspendent un temps leurs activités artistiques pour remettre en état la maison délabrée (achetée grâce à un prêt accordé par Guggenheim).
Sur le sol, je suis plus à l'aise. Je me sens plus proche, je fais davantage partie du tableau...
Pollock se remet à peindre en 1946 et déplace son atelier dans la grange de la propriété, où il crée certaines de ses œuvres les plus célèbres, comme Nr. 5 (1948).
En 1947, Pollock est un artiste connu aux États-Unis. Des articles sur lui et son travail sont écrits par des personnalités telles que Clement Greenberg, qui qualifie Pollock de « peintre le plus puissant de l'Amérique contemporaine… ».
Ses toiles sont de plus en plus grandes, ce qui l'oblige à adapter son style de peinture : il commence à étendre ses toiles sur le sol, marchant en long, en large et en travers muni de son pinceau qui s’égoutte et crée des motifs mouchetés sur la surface. Cette méthode lui permet de ne faire qu'un avec son œuvre, car il peut désormais s‘attaquer à la toile de tous les côtés. Il explique son processus comme tel : « Ma peinture ne vient pas du chevalet. J'ai besoin de la résistance d'une surface dure. Sur le sol, je suis plus à l'aise. Je me sens plus proche, je fais davantage partie du tableau… ».
Peggy Guggenheim décide de fermer sa galerie Art of This Century en 1947, mais persuade néanmoins Betty Parsons de prendre Pollock sous sa responsabilité. Lors de sa première exposition à la galerie Parsons, le peintre présente dix-sept œuvres, dont deux seulement sont vendues, bien que les critiques aient revu ses œuvres de manière positive.
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Alors que ses œuvres connaissent encore un grand succès lors d'événements prestigieux, comme la Biennale de Venise, sa santé mentale et physique se détériore considérablement. À l'automne 1948, le Dr Edwin Heller, venu dans les East Hamptons, prend Pollock en charge et l'aide à surmonter son alcoolisme. Il s'ensuit une période plutôt productive et sobre pour l'artiste, au cours de laquelle il trouve une stabilité bien nécessaire dans ses peintures monumentales et dans un nouveau passe-temps : le jardinage.
Lorsque le magazine LIFE publie le célèbre article « Jackson Pollock : Est-il le plus grand peintre vivant des États-Unis ? », tous les regards se tournent vers lui. Dans l’article, les œuvres de Pollock sont présentées à travers les photographies en couleur de Martha Holmes et d'Arnold Newman, tandis que l’auteur fait l'éloge, tout en le remettant en question, du style de l'artiste et de son utilisation inhabituelle de matériaux, tels que le sable et le verre.
Cet article déclenche une vague d'éloges et de reconnaissance pour l’artiste, attirant ainsi l'attention sur un mouvement artistique sous-estimé auquel appartenaient des artistes comme Willem de Kooning et Mark Rothko : l'expressionnisme abstrait.
À la suite de cet article, Pollock expose son tableau The Intrasubjectives à la galerie Samuel M. Kootz, lors d’une exposition collective à laquelle participaient des artistes tels que Rothko, Arshile Gorky et de Kooning et qui a véritablement donné naissance au mouvement de l'expressionnisme abstrait.
La stabilité de Pollock prend fin subitement au début de l'année 1950, lorsque le Dr Heller meurt dans un accident de voiture. Pollock rechute rapidement et retombe dans l’alcool.
Alors que sa santé mentale se détériore plus gravement après la mort du Dr Heller, sa carrière artistique s'épanouit comme jamais. Il expose dans de nombreuses institutions et organise de multiples expositions personnelles. En 1952, sa relation avec Betty Parsons est tendue, car les ventes ne sont pas en mesure de refléter son succès culturel et après avoir coupé les ponts avec la galerie, il rejoint la galerie voisine de Sidney Janis. Sa première exposition chez Sidney Janis a été élue deuxième meilleure exposition de 1952 par Artnews.
En 1955, émotionnellement touché par les multiples crises cardiaques de sa mère, Pollock reprend des traitements contre l'addiction à l'alcool et la dépression, qui incluaient (contre toute attente) des séances régulières de consommation d'alcool dans les bars avant de retourner chez lui auprès de Krasner, qui jouissait elle-même d’un certain succès artistique à cette époque.
Aucun des traitements ne rivalise avec les progrès réalisés avec le Dr Heller et Pollock cesse entièrement de peindre. En 1956, ses problèmes de santé mettent à mal sa relation avec Krasner. Elle part en Europe tandis que Pollock reste à East Hampton et entretient une liaison avec Ruth Kligman.
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Le 11 août 1956, Pollock, alors en état d'ébriété, percute un arbre avec sa voiture sur Fireplace Road, tuant l'une des passagères, Edith Metzler, et lui-même. Sa maîtresse, Ruth Kligman, est la seule survivante.
Aujourd'hui encore, Pollock influence grandement le monde de l'art. Devenu l'un des artistes les plus chers au monde, il a façonné l'ensemble du mouvement artistique de l'expressionnisme abstrait avec sa technique du dripping. La taille même de ses toiles pousse les spectateurs à s’arrêter, bouche bée devant les couches écrasantes de formes et de couleurs. Pollock a créé quelque chose de profondément personnel et l'a partagé avec le monde entier : il a couché son subconscient sur la toile pour que tout le monde puisse le voir, mais sans jamais le rendre trop évident, car chacun interprète ses éclaboussures différemment. Aux enchères, ses œuvres sont très recherchées et atteignent des prix surpassant les 40 millions d’euros.
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Article de Sophie Bubmann
