Lorsque l'on évoque l'ère gothique, on pense tout d'abord aux cathédrales, apparues en France au début du XIe siècle, qui ont remplacé les basiliques romanes trapues. Les lieux de culte, avec leurs arcs brisés, leurs voûtes d'ogives et leurs arcs-boutants, atteignent des hauteurs vertigineuses, jamais vues auparavant. Les vitraux prennent de plus en plus de place et repoussent les fresques sur les murs. L'art des tailleurs de pierre et des sculpteurs, qui décorent les églises de magnifiques portails et de figures de saints, est mis en avant.
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D'une manière générale, la peinture sur panneau gagne en importance, et pas seulement dans le domaine religieux. Au cours du XIVe siècle, on découvre une toute nouvelle image de soi, ce qui conduit à la création des premiers portraits. Alors que l'art avait longtemps été façonné presque exclusivement par l'idée religieuse de l'au-delà, on commença à s'intéresser à la création de Dieu sur terre, qui était représentée avec un naturalisme croissant.
Giotto di Bondone (vers 1267 - 1337)
L'architecture filigrane des églises de l'époque gothique, dominée par les vitraux, n'a pas pu s'imposer en Italie, de sorte qu'il y avait suffisamment d'espace dans les bâtiments pour que les artistes puissent poursuivre leurs commandes. Les fresques de la basilique de San Francesco à Assise et de la Cappella degli Scrovegni à Padoue en sont d'excellents exemples. Giotto di Bondone a réalisé des exemples remarquables pour ces deux édifices, ce qui a contribué à supplanter les mosaïques picturales (la peinture murale était auparavant considérée comme une alternative bon marché). Les personnages de Giotto semblaient accessibles et interagissaient les uns avec les autres au lieu d'exister à proximité les uns des autres. Le naturel de ses représentations semblait vivant et révélait un travail de perspective.
Son maître, le peintre florentin Cimabue, l'aurait découvert alors qu'il gardait un troupeau de moutons et peignait sur des rochers. Selon une anecdote, Cimabue aurait reconnu que son élève l'avait finalement devancé lorsqu'il a cru qu'une mouche que Giotto avait secrètement peinte dans un tableau était réelle et qu'il a essayé de la chasser. On raconte également qu'un jour, un émissaire du pape demanda un échantillon de l'œuvre de Giotto et que celui-ci dessina un cercle parfait à main levée.
Antonio Pisanello (avant 1395 - vers 1455)
En matière de naturalisme, Antonio Pisanello est un expert. Le Codex Vallardi, un volume rassemblant les dessins de l'artiste de la cour d'Italie du Nord, en est une preuve exceptionnelle. Les études et les esquisses montrent des animaux domestiques et exotiques tels que des guépards, des lions, des singes et même une tortue de mer qu'il aurait pu trouver dans les ménageries de ses clients.
Outre son travail de peintre, Pisanello était également un excellent médailleur, qui a perpétué les traditions anciennes avec ses médailles-portraits. Il a également exécuté de beaux portraits, qui présentent les personnages de profil. Les plus beaux exemples sont les portraits de Leonello d'Este, margrave de Ferrare, et de sa demi-sœur Ginevra.
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Cimabue (vers 1240 - après 1302)
Cimabue était déjà admiré par les Florentins de son vivant, mais son importance fut ensuite éclipsée par le génie de son élève, Giotto. Selon Giorgio Vasari, Cimabue a été le premier à surmonter le « style grec », le style plat et formel de l'Empire byzantin, qui a fait son entrée dans l'art occidental principalement sous la forme d'icônes. Celles-ci ont été transformées en peintures sur panneau et utilisées principalement pour les retables nouvellement à la mode, la Maestà, la Madone trônant, étant particulièrement populaire.
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Cimabue a introduit une nouvelle vivacité dans ses représentations, ce qui est particulièrement évident dans ses crucifix qui traitent de la souffrance du Christ au lieu de le montrer dans le triomphe de la future résurrection. Cimabue a également innové sur le plan anatomique, n'hésitant pas à représenter les détails du corps humain, tels que les muscles et les tendons.
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Les frères de Limbourg (1380 - 1416)
Duccio (c. 1255 - 1318/19) est également un innovateur qui combine l'art byzantin traditionnel et l'art moderne. En France, les vitraux des cathédrales et les enluminures, telles que les psautiers et les livres d'heures, ont connu un grand essor. L'ère gothique est la dernière époque où l'enluminure est importante et cède la place à l'imprimerie.
L'exemple le plus célèbre - non seulement pour la période gothique, mais aussi pour l'enluminure dans son ensemble - est le Livre d'heures du duc de Berry (Très Riches Heures), publié par les trois frères de Limbourg, Paul, Johan et Herman, au début du XVe siècle. Les frères, originaires de ce qui était alors le duché de Geldern, avaient reçu une formation d'orfèvre et d'artiste à Paris et avaient été engagés par le duc Philippe II de Bourgogne en 1402. À la mort du duc, deux ans plus tard, c'est son frère, le duc de Berry, qui devient leur nouveau client. Ils réalisent pour lui plusieurs projets, notamment les ambitieuses Très Riches Heures, sur lesquelles ils commencent à travailler en 1410, mais qui restent inachevées lorsque les frères limbourgeois et le duc de Berry meurent tous deux de la peste en 1416. L'œuvre sera achevée quelques décennies plus tard.
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Dans le Livre d'heures du duc de Berry, près de la moitié des 208 feuillets sont des illustrations pleine page, qui représentent non seulement des épisodes religieux, mais aussi des scènes de cour qui donnent un aperçu de la vie et des coutumes de l'élite de l'époque. Cette évolution s'explique par l'augmentation des commandes privées et la passion de la collection, qui exigeaient sans cesse de nouvelles idées de la part des peintres.
Ambrogio Lorenzetti (vers 1295 - vers 1348)
Alors que les fresques des églises ont survécu dans de nombreux endroits pour des raisons de culte religieux, leurs homologues profanes ont été victimes de l'évolution des modes. Cependant, quiconque souhaite se faire une idée de ces fresques devrait visiter le château de Runkelstein, dans le Tyrol du Sud, où tout un cycle de scènes de cour raconte la splendeur d'antan.
Un autre cycle important de fresques séculaires se trouve au Palazzo Pubblico de Sienne, où la Sala dei Novi représente de manière allégorique les conséquences d'un bon ou d'un mauvais gouvernement. Ambrogio Lorenzetti a exécuté cette commande du gouvernement de sa ville natale de Sienne en 1338-1339. La fresque de la Vie citadine bénéficiant d'un bon gouvernement est également un chef-d'œuvre fondamental, dans lequel Lorenzetti a accordé une grande importance à la profondeur, aux proportions et à l'interaction des personnages.
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Simone Martini (1284 - 1344)
Un autre artiste chargé de la décoration du Palazzo Pubblico de Sienne est Simone Martini, élève de Duccio, qui reprend le mélange des styles byzantin et français de son maître et l'enrichit de ses propres innovations.
Son innovation la plus importante s'inscrit dans un contexte de concurrence entre les peintres et les orfèvres. L'art de l'orfèvrerie était très populaire à l'époque et les peintres, encore peu expérimentés, n'avaient pas (encore) de concurrence (deux des frères de Limbourg avaient également bénéficié d'une formation d'orfèvre). Simone Martini veut cependant conquérir le terrain et réaliser des objets de dévotion et des retables qui n'ont rien à envier aux chefs-d'œuvre d'orfèvrerie. Il utilise les outils de l'orfèvre pour travailler les surfaces en or, notamment les nimbes autour des têtes de ses saints, afin qu'elles semblent briller sous l'effet de la lumière.
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Simone Martini est l'un de ces artistes qui ont fondé le style gothique international que l'on retrouve en sculpture et en peinture dans de nombreux endroits d'Europe et qui représente le dernier chapitre de l'art gothique. Les madones sont aujourd'hui d'une beauté surnaturelle et idéalisée, soulignée par l'utilisation habile de peintures à l'huile finement glacées, qui laissent transparaître le fond blanc. Le terme « style plus doux », couramment utilisé dans la recherche allemande, se fonde sur les plis souples des tissus représentés, qui créent une nouvelle tridimensionnalité.
Stefan Lochner (vers 1400 - 1451), le plus important représentant de l'école de Cologne, est l'un des maîtres de ce style. Lochner l'a reproduit de manière très vivante dans sa célèbre Madonna im Rosenhag, dans laquelle l'ombrage du manteau bleu vif a été créé uniquement par des dégradés de couleurs. Lochner était un contemporain de Jan van Eyck (c.1390 - 1441) et de Rogier van der Weyden (1399/1400 - 1464), qui privilégiaient un style plus réaliste et naturaliste connu sous le nom de peinture des vieux Pays-Bas.
En Italie, le grand Fra Angelico (vers 1395 - 1455) se situe au seuil du gothique tardif et du début de la Renaissance. Son contemporain est Masaccio (1401-1428), le grand pionnier florentin de la Renaissance, dont il a copié l'éclairage et la rigueur architecturale de la composition picturale.
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Le gothique tardif représente une époque passionnante de l'histoire de l'art, au cours de laquelle la peinture a commencé à sortir de l'ombre de la sculpture pour la première fois à la Renaissance, et à être reconnue comme le genre artistique le plus élevé.
