Lorsque l'on évoque le début de la Renaissance italienne, l'artiste qui vient immédiatement à l'esprit en tant que pionnier du mouvement est certainement Giotto. En réalité, une figure clé souvent sous-estimée est celle de son maître, Cimabue.
Le peintre et mosaïste Cimabue, de son vrai nom Cenni (Bencivieni) di Pepe, est né à Florence en 1240 dans une famille noble. Au Moyen Âge, l'art est fortement influencé par le style byzantin et se concentre sur l'iconographie religieuse qui tend vers des représentations plates et bidimensionnelles de scènes bibliques. C'est Cimabue qui a donné le coup d'envoi d'un changement stylistique qui allait transformer le monde de l'art et au-delà.
On sait peu de choses sur les années de formation de Cimabue et il n'existe pratiquement aucune documentation officielle sur son œuvre. Les détails biographiques varient, mais la plupart remontent à Vasari, considéré comme le premier historien de l'art au monde, qui a publié Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori en 1550.
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Selon Vasari, le jeune Cimabue a fait preuve d'un grand talent alors qu'il était étudiant au couvent de Santa Maria Novella. Au lieu de lire assidûment ses manuels, il semble que Cimabue préférait dessiner des figures et des animaux sur les pages ; à tel point que lorsque des artistes grecs vinrent à Florence pour décorer l'église du couvent, ses parents lui accordèrent un congé pour qu'il étudie leurs œuvres. Cette expérience a peut-être commencé à façonner sa conscience artistique.
Vasari était un grand admirateur de l'œuvre de Cimabue : il écrivit que ses compétences artistiques « dépassaient de loin celles des peintres grecs. »
Se démarquant nettement des méthodes schématiques de ses contemporains, les peintures de Cimabue représentent des formes humaines naturalistes avec des traits de visage plus réalistes et des touches de musculature. Ces qualités sont particulièrement visibles dans le Crucifix de la basilique de Santa Croce, à Florence (vers 1287-88). L'affaissement réaliste du corps du Christ, ainsi que la tension de ses bras tendus, représentent graphiquement la souffrance humaine, loin de l'iconographie stylisée et sans expression de l'époque. En outre, les plis du tissu et la façon dont les mains et les pieds dépassent de la croix donnent un effet tridimensionnel.
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De même, dans la Maestà di Santa Trìnità (vers 1290), Cimabue offre au spectateur une abondance de tissus ébouriffés pour créer de la profondeur et une illusion de perspective qui fonctionne particulièrement bien au centre de l'image. Tout au long de sa carrière, le travail de Cimabue l'amène à voyager à travers l'Italie, mais c'est à Florence, sa ville natale, qu'il découvre son protégé, Giotto di Bondone.
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Selon Vasari, Giotto était un jeune berger dont les dessins réalistes de moutons, réalisés sur un rocher, furent remarqués par Cimabue. Impressionné par le talent artistique du jeune homme, il l'engagea comme apprenti. Une autre histoire raconte qu'un jour Cimabue quitta son atelier pour quelques heures et que, pendant ce temps, le jeune Giotto peignit une mouche sur un portrait du maître. La mouche était si réaliste que lorsque Cimabue revint, il essaya de l'enlever de la peinture.
De nombreux récits de Vasari sont anecdotiques et ses dates contradictoires : par exemple, l'un d'eux affirme que Cimabue est mort en 1300, alors que des documents ultérieurs montrent qu'il était encore en vie et travaillait à Pise en 1302.
Les incohérences mises à part, Vasari était certainement un grand admirateur de l'art de la Renaissance. Également florentin et, à ce titre, partisan inconditionnel des artistes florentins, il a contribué à la création du statut de superstar de certains artistes, tels que Michel-Ange et Léonard de Vinci.
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En ce qui concerne la personnalité de Cimabue, on sait qu'il était d'une nature piquante et orgueilleuse : si quelqu'un critiquait son travail, ou si lui-même y trouvait à redire, il détruisait souvent l'œuvre. Cela correspond à son surnom, car « Cimabue » est dérivé de « cimare », mais peut également être interprété comme « tête de bœuf » ou « tête de taureau ».
En termes d'héritage, il est regrettable que l'on se souvienne davantage de Cimabue comme du maître de Giotto que comme d'un artiste à part entière. Bien que Vasari ait affirmé que Cimabue avait donné « la première lumière à l'art de la peinture », il a conclu plus tard que Giotto avait « éclipsé la renommée de Cimabue comme une grande lumière en éclipse une beaucoup plus petite ».
Même Dante, dans le chant XI du Purgatoire, a écrit : "Credette Cimabue ne la pittura tener lo campo, e ora ha Giotto il grido, sì che la fama di colui è scura" (Cimabue croyait en la peinture pour tenir le terrain, et maintenant Giotto a le cri, de sorte que sa renommée est sombre.)
D'autre part, le critique d'art victorien John Ruskin pensait que Cimabue était le meilleur peintre de Florence, avec un talent égal à celui du Tintoret et de Michel-Ange. Selon lui, si son talent a été éclipsé par ses successeurs, c'est parce qu'il a jeté les bases de la peinture de la Renaissance avant les autres.
Ruskin ajoutait : « Il en va ainsi de tous les grands hommes : ils s'élèvent vers la grandeur sur des jalons inconnus ».
Le nom de Cimabue a fait son retour en octobre 2019, lorsqu'une œuvre d'art qui lui est attribuée a été vendue au prix record de 24 millions d'euros. La Dérision du Christ, une petite peinture non signée représentant les dernières étapes de la vie de Jésus, a été vendu quatre fois plus que l'estimation initiale de 4 à 6 millions d'euros. L'œuvre fait partie d'un polyptyque, un ensemble de scènes peintes sur plusieurs panneaux, datant de 1280 et représentant la passion et la crucifixion du Christ.
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Le panneau était en excellent état, bien qu'il ait été accroché au mur d'une cuisine au-dessus d'une plaque de cuisson. Il a été découvert par hasard, grâce à un expert qui se trouvait dans une maison de Compiègne, pour expertiser des meubles.
Deux autres scènes de la même série de Cimabue se trouvent dans des collections publiques : La Vierge à l'enfant trônant entourée de deux anges à la National Gallery de Londres et La Flagellation du Christ à la Frick Collection de New York.
