L'art du portrait n'est pas né d'hier. Il remonte à des milliers d'années, que ce soit pour commémorer l'image d'un ancêtre ou d'une personnalité importante, pour permettre à l'artiste de s'exercer, ou pour immortaliser les traits captivants d'une personne encore et encore, au point de lui octroyer le statut de muse.
Même si les techniques et les styles ont évolué, la capacité de l'artiste à capturer les traits du sujet et de retranscrire une émotion reste primordiale. À cela s'ajoute la maîtrise de la composition, de la lumière et de la couleur, rendant l'art du portrait un processus complexe et exigeant.
À travers huit artistes, huit styles et huit époques, nous vous livrons les visages les plus iconiques de l’histoire de l'art.
Léonard de Vinci, Mona Lisa (vers 1503-06)
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Est-il possible de dresser une liste des visages les plus inoubliables de l’histoire de l’art sans mentionner la Joconde de Léonard de Vinci ? Probablement pas. C’est sans doute l’œuvre d’art la plus célèbre au monde, en grande partie à cause du visage insondable de son sujet. Les théories autour du sourire mystérieux de Mona Lisa sont innombrables. Certains pensent que la femme qui posait pour le tableau ne souriait pas, mais que son rictus aurait été ajouté plus tard par de Vinci. D’autres préfèrent croire que le modèle était en fait un homme, ou même qu’il s’agit en réalité d’un autoportrait de Léonard de Vinci. Les mystères qui entourent la Joconde sont sans fin, et son expression paisible n’en demeure que plus captivante.
Le Caravage, Méduse (1597/98)
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Le Caravage nous livre une représentation du visage de Méduse aussi terrifiante que fascinante, entre le sang coulant de sa tête décapitée, ses lèvres retroussées dans un cri angoissé et les serpents rampant le long de son crâne. Le regard de Méduse est pour toujours figé dans l'instant terrible où elle découvre son apparence, et cette prise de conscience est si douloureuse qu’elle en perd définitivement son emprise sur la réalité. Ce portrait atypique d’une tête sectionnée mais encore consciente est peut-être le cauchemar le plus poignant jamais posé sur toile.
Johannes Vermeer, Jeune fille à la perle (vers 1665)
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Qualifier le portrait de cette jeune fille énigmatique d’inoubliable contient une part d’ironie, étant donné que la peinture a effectivement été laissée dans l’oubli pendant plusieurs siècles. Ce n’est qu’à la fin du XIXe siècle que le génie de Johannes Vermeer a été redécouvert. Depuis, une grande partie du public a eu l’occasion de se plonger dans le regard pénétrant de la jeune fille qui se tourne vers le spectateur comme si elle comptait prendre la parole.
Édouard Manet, Un Bar aux Folies Bergère (1882)
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L’expression triste et apathique de la jeune fille derrière son bar dans le portrait de Manet est gravée dans toutes les mémoires. Bien qu’elle se tienne face au spectateur, le miroir derrière elle dévoile la scène qui se déroule sous ses yeux : une soirée dans la vie nocturne exubérante et éreintante de Paris. La jeune femme, du nom de Suzon, travaillait réellement au bar des Folies Bergère au début des années 1880, et a également servi de modèle pour ce tableau peint dans l’atelier de Manet.
Edvard Munch, Le Cri (1893)
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Voici les mots qu’Edvard Munch lui-même a écrit au sujet du Cri : « Je me promenais sur un sentier avec deux amis — le soleil se couchait — tout d'un coup le ciel devint rouge sang. Je m'arrêtai, fatigué, et m'appuyai sur une clôture — il y avait du sang et des langues de feu au-dessus du fjord bleu-noir de la ville — mes amis continuèrent, et j'y restai, tremblant d'anxiété — je sentais un cri infini qui passait à travers l'univers et qui déchirait la nature. » Il n’est pas nécessaire d’en dire plus sur ce tableau inquiétant. Il est l’incarnation même de l’anxiété et de la douleur.
Amedeo Modigliani, Jeanne Hébuterne (au chapeau) (1917)
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Pour être franc, n’importe lequel des nombreux portraits qu’Amedeo Modigliani a peint de sa maîtresse Jeanne Hébuterne pourrait être considéré comme inoubliable, peut-être surtout à cause de la tragique histoire d’amour qui les a relié. Le couple s’est rencontré quand Jeanne était encore étudiante en art et on dit qu’ils restèrent tout à fait inséparables pendant les trois années qui suivirent. Mais en 1920, Modigliani mourut de la tuberculose, et la jeune femme enceinte, accablée par le chagrin, choisit de se suicider en se jetant par la fenêtre. Ces portraits, tous peints dans le même style et la même palette, reflètent une tristesse dans les yeux de Jeanne, comme si elle savait ce qui s’apprêtait à arriver.
Grant Wood, American Gothic (1930)
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Contrairement aux apparences, American Gothic ne représente pas un couple, mais un fermier et sa fille célibataire. Au fil des ans, la peinture a été interprétée comme une parodie des États-Unis ruraux, mais Grant Wood lui-même a nié toute connotation satirique. En tout cas, il est difficile de détacher ses yeux des deux figures stoïques au premier plan. Ils se tiennent pareils à un rempart devant leur maison, comme pour dissuader le spectateur d'approcher. Le regard du fermier est rude et il tient sa fourche pointue dans une attitude menaçante. Pendant ce temps, la femme jette un regard anxieux à quelque chose hors du cadre. Pour la création de l'œuvre, Wood a recruté sa propre sœur Nan comme modèle de la femme, tandis que l'homme est inspiré du dentiste de Wood, le docteur Byron McKeeby. American Gothic a fait l’objet d’un grand nombre de spéculations, théories, hommages et parodies, établissant fermement ses deux protagonistes dans la mémoire collective.
