Si Peggy Guggenheim est surtout connue pour sa collection avant-gardiste d'art moderne provenant d'Europe et des États-Unis, un aspect moins connu, mais tout aussi important de sa collection concerne sa fascination pour les arts d'Afrique, d'Océanie et des Amériques.
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Douze artefacts fantastiques
En 1959, Guggenheim a acheté ce qu'elle a décrit comme « douze artefacts fantastiques, composés de masques et de sculptures de Nouvelle-Guinée, du Congo belge, du Soudan français, du Pérou, du Brésil, du Mexique et de Nouvelle-Irlande ». Ces douze objets serviront de base à sa collection d'art non occidental, qu'elle continuera d'enrichir tout au long des années 1960, pour finalement rassembler une cinquantaine d'œuvres issues de diverses cultures du monde. En 2021, la collection Peggy Guggenheim de Venise, située dans le Palazzo Venier dei Leoni (la maison et le musée de Peggy sur le Grand Canal), a présenté sa collection d'art africain, océanien et précolombien dans une exposition intitulée Migrating Objects (Objets migrateurs). L'exposition a présenté les objets dans leur résidence vénitienne pour la première fois dans leur ensemble, en les juxtaposant à d'autres œuvres modernistes collectionnées par Guggenheim et réalisées par des artistes tels qu'Alberto Giacometti, Pablo Picasso et Tancredi Parmeggiani.
Collectionner l'art non occidental
La collection de Guggenheim reflétait la popularité croissante de l'art africain, océanien et précolombien en Occident à partir des années 1950. En effet, bien que Guggenheim ait été une pionnière dans le mécénat de certains artistes contemporains européens et américains, son intérêt pour l'art non occidental peut être considéré comme un effet de mode.
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Max Ernst, le peintre surréaliste germano-américain avec lequel Guggenheim a été brièvement mariée, était par exemple un collectionneur avide d'art précolombien et océanien et a probablement influencé le parcours de Guggenheim. En 1959, lorsqu'elle a acquis ces douze premiers objets, New York était devenu un point central dans le marché de l'art africain, avec plusieurs galeries spécialisées dans la revente d'objets aux collectionneurs et aux artistes. Mais dès la fin du XIXe siècle, des objets provenant d'Afrique, du Pacifique et d'Amérique du Sud ont commencé à être exportés en Europe par le biais du commerce colonial et des expéditions ethnographiques.
Au cours de la première décennie du XXe siècle, des artistes modernistes occidentaux tels que Giacometti, Matisse et Picasso ont commencé à collectionner et à s'approprier l'esthétique de l'art africain et océanien. Ces artistes trouvaient les objets ethnographiques séduisants et exotiques, évoquant un sentiment de mystère et d'authenticité.
Leur intérêt pour ces objets est aujourd'hui qualifié de « primitivisme moderniste » : une fascination pour les objets et les cultures provenant de régions du monde considérées à tort comme plus primitives. Leur engagement était principalement esthétique : éloignées de leur pays d'origine, ces œuvres étaient décontextualisées, leurs origines obscurcies et leur destination souvent ignorée. De nombreux contemporains de Guggenheim ont même plaidé pour l'ignorance délibérée du sujet. Le sculpteur anglais Henry Moore, par exemple, affirmait que pour comprendre l'art « primitif », « il est plus important de le regarder que d'en apprendre l'histoire ».
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Peggy Guggenheim et l'art africain
La collection d'art africain de Peggy Guggenheim reflète les préférences esthétiques des années 1950 et 1960. Elle comprend des sculptures d'Afrique occidentale et centrale, provenant de pays tels que la Guinée, le Mali, la Côte d'Ivoire, le Nigeria, le Gabon, la République démocratique du Congo et l'Angola. La collection présente des types d'objets célèbres appréciés par les modernistes occidentaux, notamment une coiffe Baga D'mba de Guinée et une figure de gardien de reliquaire Kota du Gabon. Il y a plusieurs sculptures Senufo du Burkina Faso et de Côte d'Ivoire, ainsi que quelques exemples de sculptures Dogon du Mali. La plupart des œuvres africaines de sa collection ont été créées dans la première moitié du XXe siècle, ce qui les rend contemporaines de ses œuvres occidentales.
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Peggy Guggenheim et l'art océanien
La collection Guggenheim comprend neuf objets provenant du Pacifique, principalement de la partie de la Papouasie-Nouvelle-Guinée qui était sous occupation allemande. Deux objets malangan, un masque et une sculpture, provenant de Nouvelle-Irlande, et un bouchon de flûte de chambre de la région de la rivière Sepik en Nouvelle-Guinée font partie de la collection. L'un des objets les plus frappants provenant de Papouasie est un canoë à âme Asmat, ou wuramon, que Guggenheim a acheté dans les années 1960. Il représente un groupe de créatures surnaturelles, chacune portant le nom d'un ancêtre spécifique récemment décédé, dont elle incarne l'esprit. Le centre est dominé par un esprit de l'eau, et en descendant la coque, des figures représentent d'autres esprits, avec un oiseau à l'une des extrémités.
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Peggy Guggenheim et l'art précolombien
L'intérêt de Peggy Guggenheim pour l'art précolombien est né grâce à son mari Max Ernst, qui le lui a fait découvrir après leur voyage au Mexique en 1959. Bien qu'elle ait moins de connaissances sur l'art andin et amazonien, sa sélection d'œuvres sud-américaines témoigne d'un engagement sincère. Parmi sa collection, trois œuvres de l'ancien Mexique occidental se distinguent. Les figures en terre cuite de Guggenheim provenant de Nayarit, deux figures indépendantes et un couple de mariés avec un enfant, illustrent la sculpture à petite échelle de l'ancien Mexique occidental. Malgré leurs différences culturelles et géographiques, ces pièces ont toutes un lien avec les pratiques funéraires, servant de forme de souvenir pour les défunts. Ses œuvres Chimu, un masque de momie à trois panneaux et un poncho de plumes, proviennent de sépultures d'élite et sont d'excellents exemples de l'art précolombien.
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La fabrication d'un musée
Des photographies prises lorsque Peggy Guggenheim vivait au Palazzo Venier dei Leoni suggèrent un engagement essentiellement esthétique avec ces objets. Dans nombre de ses installations, Guggenheim a essentiellement suivi ce que les spécialistes ont appelé le modèle « affinitaire » : la juxtaposition d'art occidental et d'objets ethnographiques pour favoriser un impact visuel, en se concentrant uniquement sur les qualités formelles, peut-être sans faire preuve d'esprit critique.
Dans une photographie du Palazzo datant de 1966, par exemple, une figure masculine Dogon assise du Mali se trouve devant Sur la plage de Picasso (1937). La juxtaposition souligne les chevauchements visuels entre les deux : les formes abstraites, les surfaces planes et les contrastes entre les lignes rondes et les lignes droites. Dans un autre cas, une sculpture D'mba réalisée par un artiste Baga de Guinée apparaît devant L'atelier (1928) de Picasso. De même, ses figures debout de l'Ouest mexicain sont installées de manière à encourager les ressemblances visuelles, à mettre en valeur et à refléter les œuvres modernistes, qu'elles soient placées à côté du Poète (1911) de Picasso ou du Paysage aux taches rouges n° 2 (1913) de Kandinsky.
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Sortis de leur contexte, ces objets sont combinés dans diverses mises en scène pour créer de nouvelles significations. Pour certains artistes et intellectuels de l'époque, il s'agissait là de l'essence même de la création artistique et de la conservation. André Breton, par exemple, prônait une décontextualisation complète. En tant que fondateur du surréalisme, il a déclaré que « dès le début, le cours du surréalisme est inséparable du pouvoir de séduction, de fascination, que les objets océaniens ont exercé sur nous ». Breton défendait la nécessité de libérer les objets de leurs contextes et de leurs origines afin d'atteindre une imagination visionnaire collective. C'est ainsi que dans la collection du Guggenheim, des objets océaniens tels qu'une sculpture de malanga de Papouasie-Nouvelle-Guinée se retrouvent souvent face à des peintres surréalistes.
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Pour les critiques les moins sympathiques, l'engagement de Guggenheim dans l'art non occidental n'est rien de plus qu'une décoration raffinée, contrairement à sa collection moderniste, qui semble plus réfléchie. Pour d'autres, cependant, les juxtapositions qu'elle a créées dans ses installations ont le potentiel d'émouvoir les spectateurs et peut-être d'atteindre l'imagination collective, comme l'auraient espéré les surréalistes.
