Le Land Art propose de se défaire de la peinture sur toile comme unique rapport esthétique à la nature. Cela consiste en la création d'œuvres d'art in situ dans des environnements naturels ou sauvages. Le mouvement a émergé aux États-Unis en 1968 et Robert Smithson s’est imposé comme théoricien et figure emblématique du Land Art avec son essai « The Sedimentation of the Mind : Earth Projects ». Le Land Art est issu d’une réaction contre le système traditionnel de production, d'exposition et de commercialisation de l'art. Ainsi, les artistes voulaient s'affranchir des ateliers, des musées et des galeries, et remettre en question l'expressionnisme abstrait et le dogmatisme artistique qui prévalaient à l’époque.
Cette tradition s'est perpétuée chez plusieurs artistes contemporains qui travaillent directement dans la nature. Les œuvres sont respectueuses de l’environnement et sont souvent éphémères, créées à partir de feuilles, de pierre et de cailloux, de boue ou de troncs d’arbre, à la manière d’Andy Goldsworthy. Avec ses œuvres périssables, Goldsworthy entend faire comprendre l’environnement naturel, c’est-à-dire « montrer ce qui est déjà là ».
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Andy Goldsworthy naît en Angleterre en 1956. Très jeune, il travaille dans des fermes, ce qui a largement influencé son œuvre. Il découvre la beauté et la brutalité des matériaux naturels et comment les hommes peuvent les altérer et, selon lui, l’agriculture devient une forme d’art, car empiler des bottes de paille aboutit à la formation d’une sculpture imposante ou labourer un champ équivaut à y dessiner. Après des études d’art de 1974 à 1978, c’est tout naturellement qu’il commence à réaliser des œuvres éphémères, probablement inspirées par les précurseurs du Land Art, tels que Richard Long ou Nils-Udo.
Le processus artistique de Goldsworthy est très simple : pour ses œuvres éphémères, il n’utilise que ses mains, des outils improvisés, parfois un couteau et surtout ce qu’il y a autour de lui, sans savoir à l’avance ce qu’il trouvera sur place. Ses œuvres dépendent donc entièrement du lieu, mais aussi de la météo. Il passe plusieurs heures à assembler des brindilles ou des feuilles et souvent, il lui faut recommencer, car l’assemblage ne fonctionne pas. Pour faire tenir les matériaux entre eux, il utilise des épines ou sa salive plutôt que de la colle, ce qui, en plus de respecter l’environnement, lui permet de trouver une certaine liberté dans son processus créatif.
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Si Goldsworthy improvise la plupart du temps une fois sur le lieu de création, il lui est toutefois arrivé de faire des croquis et de faire appel à des machines pour réaliser des œuvres plus imposantes ou permanentes (notamment les cairns les plus grands ou des sculptures comme Roof, Stone River et Three Cairns, Moonlit Path et Chalk Stones). Souvent, il érige ses sculptures pierre après pierre, taillées et assemblées à la main pendant des semaines. Pour Goldsworthy, travailler avec la pierre reste un instant aussi fragile et éphémère que travailler avec des feuilles.
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Il explique que la nature lui offre de belles leçons sur ses formes et ses couleurs : il faut trouver le vert ou le rouge le plus intense possible, trouver le bon matériau pour le bon emplacement, apprendre à se servir de l’eau pour « activer » la couleur. Ainsi, l’emplacement d’une feuille jaune ou orange pourra complètement changer son œuvre.
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Le caractère éphémère des œuvres de Goldsworthy varie de quelques secondes pour la neige à plusieurs années pour la pierre et le métal. Cette temporalité, qui se manifeste par l’impact de la nature sur les œuvres, les rend encore plus précieuses. La photographie est donc devenue essentielle dans son travail et Goldsworthy conserve ainsi les traces de ses œuvres en y ajoutant un titre sous forme de légende explicative. Le Land Art n’invite pas simplement à contempler le spectacle de la nature, mais à y pénétrer, or même si la photographie ne permet plus l’immersion totale, elle participe tout de même à la découverte de ce qui est « déjà là ». Il est tout de fois important de préciser que la photographie ne remplace pas l’œuvre et que l’œuvre n’est pas créée pour être photographiée.
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Goldsworthy souhaite travailler avec le paysage sans pour autant imposer sa marque, afin de créer une impression d’harmonie avec la nature. Il ne refuse pourtant pas l’idée de la présence humaine, car elle est partout dans ce qu’il crée. Au contraire, son corps fait partie intégrante de l’œuvre, presque à la manière d’un happening. Vous pouvez admirer certaines de ses œuvres permanentes un peu partout dans le monde, mais si vous êtes en France à l’heure actuelle, vous pouvez vous rendre à Digne-les-bains en Haute-Provence pour parcourir les sentiers du Refuge d’art et découvrir les cairns de pierres. Ses œuvres sont dispersées sur près de 150 km et la réserve naturelle est ponctuée de refuges pour abriter les plus aventureux.
En d’autres termes, les œuvres de Goldsworthy ne sont pas seulement des objets, mais réellement des expériences qui offrent une atmosphère unique à chaque fois. Il fait partie des artistes les plus influents du XXe siècle, avec des œuvres qui viennent naturellement briser les conventions artistiques. Il a lui-même influencé d'autres artistes, tels que Richard Shilling, qui sans aucune notion artistique, a commencé à copier ses travaux. Tout comme lui, il n’utilise que des éléments naturels qu’il trouve directement sur les lieux pour créer des sculptures. Les thèmes les plus fréquents sont les sculptures en équilibre, comme les cairns de Goldsworthy dont il s’est inspiré, et les motifs géométriques.
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