Erika Lagerbielke, artiste verrière et designer industrielle respectée, a connu un grand succès avec sa série Intermezzo en 1984. Depuis, elle a reçu trois fois le prix de l’Excellent Swedish Form et a reçu la médaille Prince Eugène de SM le Roi Carl XVI Gustaf pour son travail. Aujourd'hui, elle est sous les feux de la rampe avec une exposition à la Galleri Glas de Stockholm, où elle présente des œuvres colorées inspirées des étés de son enfance. Le fondateur de Barnebys, Pontus Silfverstolpe, s'entretient ici avec l’artiste pour en savoir plus sur son exposition, son processus et son point de vue sur l'avenir de l’art du verre.
Vous avez produit une série d'œuvres uniques pour cette exposition à Galleri Glas. Quelle est la différence entre la réalisation de pièces uniques et de pièces destinées à la production en série ? Pensez-vous que l’approche diffère pour la conception ?
Oui, tout à fait. Ce sont deux processus très différents. Dans le processus de conception et dans le développement de la production en série, je m'adresse à quelqu'un qui utilisera le produit. J'essaie de vivre dans un processus d'utilisation qui est pertinent pour le plus grand nombre. À l’opposé, la production d'œuvres uniques reflète surtout ce que je veux exprimer. Bien sûr, vous voulez que les gens soient intéressés, mais il s'agit surtout d’identifier ce que je veux exprimer et comment je veux l’exprimer. Ça vient de l'intérieur, sans dialogue au départ. Le dialogue se fera naturellement à la galerie.
Comment est né votre intérêt pour le verre ?
Je suis une designer industrielle dans l'âme, mais le verre est entré dans ma vie bien plus tôt. À Gotland, mes parents ont loué une maison d'été dotée d’une fantastique véranda en verre avec des vitraux rouges, verts et bleus. J'avais quatre ans et je trouvais ces fenêtres absolument magiques. Je me souviens même m'être tenue devant et avoir collé mon nez contre les carreaux de différentes couleurs pour que le monde extérieur prenne une autre teinte. Je suis sûr que c'est là qu'est née ma curiosité pour le verre en tant que matériau.
Pourquoi avez-vous choisi le verre comme support principal ?
J'ai été en contact avec le verre de différentes manières. À Konstfack [Université des arts, de l'artisanat et du design], nous avions un après-midi par semaine où nous pouvions choisir ce que nous voulions faire et les matériaux avec lesquels nous voulions travailler. J'ai choisi le soufflage de verre. J'ai trouvé ça très amusant, puis j'ai suivi un cours d'été à l'école du verre d'Orrefors.
Mais je ne voulais pas devenir artisan, j'ai choisi le design industriel pour une raison précise. Outre le fait que le verre me convenait en tant que matériau, le concevoir des objets me convenait en tant que processus. J'ai reçu une bourse pour faire un stage de trois mois chez Orrefors. Là, j'ai eu une idée du fonctionnement des verreries. De temps en temps, je sentais que quelque chose se passait vraiment.
Qu'est-ce qui est si unique dans les propriétés du verre ?
Il y a quelque chose dans sa chaleur, qui est douce et malléable mais qui change aussi et devient froide, dure et transparente. Ensuite, il y a tout l'aspect de la couleur. La capacité à travailler avec la couleur est magique. J'ai l'habitude de dire qu'il y a trois choses que je comprends vraiment : le verre, la couleur et le vin. J'aime aussi le processus dans la verrerie, les équipes avec lesquelles vous travaillez. Vous donnez et vous prenez. Les verreries sont des endroits fantastiques où chacun apporte sa contribution. Ce qui est important ce n’est pas tant le fait de travailler avec ce matériau, c’est plutôt le processus.
Dans quelle mesure procédez-vous différemment lorsque vous produisez du verre en série et des pièces uniques ?
Lorsqu'il s'agit de verres à vin, l'accent est mis avant tout sur le produit. Chez Kosta Glasbruk, il y a « l’équipe du verre d’art » et « l’équipe du verre de service ». Ces derniers sont axés sur la production et la répétition, sur la manière d'en fabriquer un grand nombre. Dans la production industrielle, on essaie de penser à ces choses là dès le début, alors qu'en travaillant avec « l’équipe du verre d’art », il n'y a pas de bonnes ou de mauvaises choses. Un verre à vin est un verre à vin. Il y a une limitation dès le départ, mais pour l'exposition à Galleri Glas, j'ai aussi fait quelques expériences de design avec, entre autres, des verres à vin.
Vous êtes une sorte d'expert dans le modelage de verres pour différentes boissons. À quoi pensez-vous lorsque vous concevez des modèles ? Pensez-vous au goût du vin, à son odeur s'il est mis dans le lave-vaisselle ?
C'est un tout. Ce n'est que lorsque vous réussissez tout ce que vous décrivez que les utilisateurs sont satisfaits, ce qui est une condition préalable pour les avoir et les utiliser dans leur vie. Quand j'étais jeune, je me concentrais davantage sur le type de verres que je voulais avoir, mais après quarante ans, j'ai appris que tout le monde n'est pas comme moi. Il s'agit du rôle que mes verres peuvent jouer autour d'une table. Un verre à vin ne doit pas nécessairement offrir une expérience sensorielle unique, mais il doit contribuer à l'appréciation du repas par le convive. Comment la forme du verre peut-elle améliorer notre expérience de la boisson, de son arôme et de son goût, et quel rôle mon verre peut-il jouer à cet égard ?
Vous avez actuellement une exposition à la Galleri Glas de Stockholm. À quand remonte votre dernière exposition personnelle à Stockholm ?
Il y a trop longtemps ! Mais j'ai participé à plusieurs expositions collectives et j'ai eu une grande exposition au Kulturparken Småland à Växjö en 2018. J'ai ensuite exposé au musée Orrefors en 2019-20.
L'eau a joué un rôle central dans votre travail. Pourquoi ?
Je reviens toujours à l'eau. Peut-être que je retourne dans le passé. J'ai toujours aimé nager et plonger, ce sont des expériences précoces fortes. Le verre et la lumière sont si étroitement liés, et le lien avec l'eau, la lumière et la transparence de l'eau est une chose à laquelle je reviens toujours. Dans le nord de Gotland, où je vis en partie, le manque d'eau est un sujet de conversation récurrent. C'est problématique et je voulais faire une exposition sur un sujet qui me tient à cœur.
Vous avez mentionné la douceur du verre. Y a-t-il une similitude entre le verre et l'eau ?
Oui, le verre est un liquide surfondu. Si vous regardez les vagues et les houles, il y a un mouvement qui est également présent dans le verre et dans sa fabrication. Lorsque vous fabriquez du verre, c'est un mouvement constant qui ressemble au mouvement de l'eau.
Y a-t-il d'autres œuvres sur le même thème dans l'exposition ?
Oui, il y a d'autres œuvres dans l'exposition qui ont la forme d'une goutte, une belle forme sur laquelle j'aimerais revenir. L'idée c’est de faire écho aux reflets de la lumière sur l'eau miroitante. Je ne représente pas l'eau mais l'eau m'inspire. J'ai réalisé une série intitulée « Vid Sju Stömmar » (Sept ruisseaux), dont le nom vient de Slite, sur l'île de Gotland.
Y a-t-il un fil conducteur dans l'exposition ?
Il y a plutôt quatre thèmes, mais je dirais que la couleur est le fil conducteur. Elle est intense, mais pas nécessairement forte. Dans toutes les œuvres, j'ai travaillé avec différentes combinaisons de couleurs.
Quels sont les quatre thèmes ?
D'une part, il y a les œuvres que nous, les verriers, appelons « écrasées » ou « baggy », mais chacune de ces œuvres a aussi un compagnon non déformé. J'appelle cette série "Perdre le contrôle - gagner le contrôle". Il s'agit d'un thème avec différentes couleurs inspiré de la peinture abstraite. J'ai commencé par différents mélanges de couleurs dans une même œuvre en me demandant comment je pouvais les appliquer et interagir avec elles. Le troisième thème est une série de verres à champagne différents, ce sont des variations sur la façon de boire du champagne. Je pense qu'il s'agit d'un pont entre le design du verre de service, ce pour quoi la plupart des gens me connaissent, et le verre d'art. Le dernier thème est complètement nouveau pour moi, c’est une nouvelle forme d’expression et une nouvelle méthode. C'est du verre coulé en morceaux avec des motifs dans différentes couches où je construis un monde de scénarios.
Qu'est-ce qui est le plus amusant, l'artistique ou l'industriel ?
Je ne peux pas vraiment choisir. Les deux sont amusants à leur manière. L'art du verre est plus effrayant d'une certaine façon. Je suis quelqu'un d'assez réservé, mais le processus artistique m'oblige à révéler quelque chose sur moi. Le processus de conception industrielle est plus sûr et moins personnel, c'est un processus plus intellectuel, alors que le processus artistique est plus intuitif. Ce n'est que lorsque vous voyez que quelqu'un a beaucoup donné que vous, en tant que spectateur, avez le sentiment de recevoir quelque chose. C'est là que ça devient vraiment intéressant.
Je suppose que toutes les personnes impliquées dans le processus veulent se défier les unes les autres jusqu'au point de rupture ?
Il faut continuer jusqu'à sentir qu'il y a un développement. C'est un dialogue et je veux être sensible à l'expérience des verriers. Si le dialogue n'est pas possible, cela signifie qu'il est temps de faire une pause et de revenir le lendemain avec une nouvelle énergie et une nouvelle approche pour résolution les problèmes.
Je pense que le verre connaît actuellement une renaissance. Je pense que les gens regardent le verre aujourd'hui avec une perspective complètement différente. Êtes-vous d'accord ?
Oui. Si vous revenez dix ans en arrière, le verre était assez invisible pour diverses raisons, mais depuis lors, beaucoup de nouvelles énergies sont apparues. Je pense aussi que les collectionneurs reviennent quand ils sentent qu'il y a quelque chose d'intéressant.
L'exposition « En Blå Planet » avec le travail fantastique d'Erika Lagerbielke se déroulera mars jusqu’au 13 avril à Galleri Glas.
