Pendant cent ans, la poterie d'atelier a généré autant d’admiration que de critiques dans l'art visuel britannique. Certains des potiers britanniques les plus connus étaient en dialogue constant avec les traditions visuelles de la sculpture, de la peinture, de la littérature et de l'architecture, mais étaient parfois considérés comme de simples artisans. Certains se sont battus pour que leur médium soit enfin considéré comme des beaux-arts, tandis que certains pensaient que la poterie devait rester fonctionnelle et accessible. Les débats se sont succédés et des dogmes se sont établis. La plupart des grands céramistes ayant obtenu le statut de maître ont vu quelque chose dans la poterie qui ne soit pas réduit à l'artisanat - quelque chose d'un style de vie et d'une philosophie. Voici 10 potiers britanniques qui ont marqué l'histoire de la poterie britannique.
1. Bernard Leach
Bernard Leach (1887-1979) était un potier d'atelier britannique et un professeur d'art considéré par beaucoup comme le « père » de la poterie d'atelier britannique. Il est né à Hong Kong et a également vécu au Japon. En 1920, il est été invité par Frances Horne à retourner en Angleterre. Ce dernier tentait d'établir une guilde d'artisanat à St Ives, Cornwall. Leach est devenu le potier principal du groupe et s'est donné pour mission de promouvoir la céramique en tant que combinaison des arts occidentaux et orientaux. Il a travaillé avec un four traditionnel japonais mélangeant les traditions et techniques de poterie coréennes, japonaises et chinoises d'Angleterre et d'Allemagne.
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Leach est connu pour ses lignes simples et utilitaires, plaidant contre l'esthétique de la poterie d'art. Il croyait en la poterie comme une combinaison d'art, de philosophie, de design et même de style de vie. En 1940, il rejoint le mouvement spirituel bahá'íe, qui a influencé une grande partie de sa philosophie et de ses principes esthétiques. Il a continué à produire de la poterie jusqu'en 1972 et, en 1977, le Victoria and Albert Museum lui a consacré une exposition rétrospective. Leach Pottery, l'entreprise qu'il a fondée, fonctionne toujours aujourd'hui.
2. Michael Cardew
Michael Cardew (1902-1983) est né à Wimbledon et a travaillé vingt ans en Afrique de l'Ouest. Cardew a été le premier apprenti de Leach Pottery, partageant une passion pour la barbotine avec Bernard Leach. Ses céramiques ont été fabriquées avec de l'argile locale et cuites dans un four à bouteilles traditionnel. Son objectif était de rendre la poterie de la tradition anglaise du slipware du XVIIe siècle, fonctionnelle et accessible à tous. Ses créations étaient généralement décorées d'oiseaux, de poissons et de motifs abstraits. Bernard Leach considérait Cardew comme son meilleur élève et il a été décrit comme « l'un des meilleurs potiers du siècle ».
3. William Staite Murray
William Staite Murray (1881-1962) est né à Deptford, Londres, a d'abord été formé à la poterie à la Camberwell School of Arts and Crafts de 1909 à 1912. En 1919, il a créé son propre studio de poterie à Londres, et malgré un début flirtant avec l'art d'avant-garde, il est de plus en plus influencé par les premières céramiques chinoises.
Ses pièces sont fabriquées à l'aide d'un four à mazout traditionnel. Murray rejette la fonctionnalité et souhaite que ses pots soient considérés comme des œuvres d'art à part entière. Il est membre des Seven and Five, un groupe de peintres et de sculpteurs, et expose avec d'autres peintres britanniques tels que Ben et Winifred Nicholson.
4. Lucie Rie
La potière d'atelier britannique d'origine autrichienne Lucie Rie (1902-1995) installe son premier atelier à Vienne en 1925. En 1938, elle s'installe à Londres après avoir fui les nazis. À Londres, elle installe un studio près de Hyde Park, où elle travaille pendant 50 ans. Rie fut une figure pionnière dans le développement de la céramique d'atelier britannique aux côtés de Bernard Leach et Hans Coper.
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Rie a principalement conçu des vases, des bouteilles et des tasses à thé de forme modeste. Ses pièces sont marquées à la fois par leur modernité et leur pureté, avec des influences anciennes, voire préhistoriques. Elle aurait été particulièrement impressionnée par ses visites des collections néolithiques et de l'âge du bronze du musée archéologique d'Avebury, en Angleterre, et cela transparaît dans son travail. Ses pièces ont des surfaces texturées, parfois colorées dans des teintes vives et entremêlées qui mettent en valeur les techniques du graffite et du nériage. L'apparente fragilité de ses créations contraste avec l'aspect habituellement robuste et solide du grès. Rie reçoit un OBE en 1968, un CBE en 1982 et est nommée Dame en 1991.
5. Hans Coper
Hans Coper (1920-1981) était un potier d'atelier britannique influent d'origine allemande, qui est finalement devenu associé de l'atelier de Lucie Rie. Coper s'est distingué en fusionnant des pots jetés au tour pour créer des récipients sculpturaux. Ses pièces sont abstraites mais toujours fonctionnelles, et il privilégie les créations monumentales.
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Son travail a été largement exposé et collectionné, et on le retrouve dans des collections internationales telles que le Metropolitan Museum of Art, le Victoria and Albert Museum et le Museum de Fundatie, entre autres.
6. Ruth Duckworth
Ruth Duckworth (1919-2009) était une sculptrice moderniste spécialisée dans la céramique. Elle est née à Hambourg, en Allemagne, mais est partie en 1936 pour étudier au Liverpool College of Art. Elle a ensuite étudié à la Hammersmith School of Art et à la City and Guilds of London Art School. Là, elle apprend la sculpture sur pierre et avec une première spécialisation en sculpture sur pierre tombale.
En 1956, elle étudie la céramique à l'École centrale des arts et métiers, ce qui lance sa passion pour le médium. Ses premiers travaux prennent des formes traditionnelles, bien qu'elle ait rapidement commencé à produire des pièces plus abstraites. Son approche de la céramique est celle d'un sculpteur, préférant mettre en avant les qualités esthétiques de l'argile plutôt que le côté fonctionnel. Rejetée par les céramistes contemporains comme Bernard Leach, elle part enseigner à Chicago et finit par s'installer définitivement aux États-Unis.
7. John Ward
Né à Islington en 1938, John Ward a fréquenté la Camberwell School of Arts & Crafts de 1966 à 1970. Au cours des années 1970, il a eu deux ateliers dans le sud-est de Londres, l'un à Anerley et l'autre à Charlton, avant de déménager à Dyfed au Pays de Galles, en 1979. Les pots fabriqués à la main par Ward lui ont valu une place parmi les plus grands potiers de Grande-Bretagne. Son travail est marqué par une esthétique très propre et épurée, illustrée par ses vaisseaux ondulés typiques.
Pour créer ses œuvres, Ward a parfois modifié ses pièces pendant la phase de cuir dur, en coupant et en rejoignant pour créer des crêtes et des rainures entre les surfaces courbes. Pour créer la finition mate, les pièces ont été grattées et brunies avec un galet. Enfin, Ward n'utilisait que des émaux mats, la plupart de ses pots étant cuits deux fois dans un four électrique. La poterie ancienne pré-glaçure a clairement une forte influence sur le travail de Ward, inspirée de l'art de la poterie ancienne de Chine et d'Égypte, de la poterie chypriote primitive et des bols persans anciens.
8. Emmanuel Cooper
L'artiste céramiste Emmanuel Cooper (1938-2012) a mis en lumière l'importance des droits LGBT dans la scène artistique britannique des années 1970 et tout au long de sa vie. Au début des années 1970, il co-fonde le collectif Gay Left. Tout au long de sa vie, il publie plusieurs études sur l'art LGBT, dont The Sexual Perspective et Fully Exposed: The Male Nude in Photography.
Ses œuvres sont fortement émaillées sous une forme volcanique, leur donnant une texture variée et inégale, qui a été influencée par le travail de Lucie Rie. Ses autres travaux sont riches et colorés, du rose, du jaune, du rouge… Pour ces œuvres, il utilisait souvent une glaçure jaune d'œuf finie avec des mouchetures d'or. Son travail se trouve au Victoria & Albert Museum. En 2002, Cooper a reçoit un OBE (Most Excellent Order of the British Empire) pour sa contribution aux arts et à la culture.
9. Magdalene Odundo
Dame Magdalene Odundo est née au Kenya en 1950 et est arrivée au Royaume-Uni en 1971. Aujourd'hui, elle s'est imposée comme l'une des céramistes les plus influentes de notre époque. Odundo se forme d'abord à la céramique à la Cambridge School of Art.
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Pour Odundo, la méthode manuelle est au cœur du processus, comme pour la sculpture d'Henry Moore et de Barbara Hepworth (qu'elle a également rencontrée peu après son arrivée en Angleterre), dictant ainsi la forme finale des œuvres. Ses céramiques les plus connues sont fabriquées à la main, en utilisant une technique d'enroulement. Chaque pièce est ensuite brunie deux fois puis oxydée et recuite. En plus de ses références récurrentes au corps féminin (pied, corps, cou, lèvre, bouche), Odundo s’intéresse à la transformation des corps due aux traditions et coutumes culturelles. Par exemple, dans certaines de ses œuvres, on retrouve des échos aux profils de femmes Mangbetu de la République démocratique du Congo, dont les crânes ont été allongés dès l'enfance.
10. Jennifer Lee
Jennifer Lee est un autre sculpteur britannique de premier plan qui travaille encore aujourd'hui. Elle est née dans l'Aberdeenshire, en Écosse, en 1956. De 1975 à 1979, elle étudie la céramique et la tapisserie au Edinburgh College of Art. Elle passe ensuite huit mois aux États-Unis où elle a fait des recherches sur la céramique préhistorique du sud-ouest de l'Inde et rend visite à des potiers contemporains de la côte ouest. Les céramiques de Lee sont fabriquées à la main en utilisant les méthodes traditionnelles de pincement et d'enroulement. Les formes sont apparemment simples, mais les bases sont pincées pour créer une asymétrie équilibrée. On lui attribue le mérite d'avoir développé une méthode de coloration des pots en mélangeant des oxydes métalliques dans l'argile.
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Lee est devenu une marque de fabrique de la céramique d'atelier britannique. Son travail est représenté dans de grandes collections du monde entier, dont le Metropolitan Museum of Art de New York, le Philadelphia Museum of Art et le Victoria and Albert Museum.
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