Lorsque le mouvement de l'art du désert (desert art) a vu le jour dans les années 1970 en Australie, les œuvres d'art, ainsi que l'histoire, les traditions et la culture des Aborigènes australiens de la région du désert occidental ont été mises en lumière. Ce mouvement était une réponse au déplacement par le gouvernement australien, à la fin des années 1960, de plusieurs tribus aborigènes de leurs terres natales du désert occidental vers Papunya, dans le Territoire du Nord de l'Australie, afin de revendiquer les terres pour le pâturage du bétail. Bien que la loi sur les droits fonciers aborigènes de 1976 ait reconnu le désert occidental comme propriété foncière des tribus aborigènes, la communauté artistique aborigène qui a vu le jour à Papunya au début des années 1970 a représenté le défi artistique d'une culture en péril et s'est épanouie à partir de là. Geoffrey Bardon, professeur d'art à Papunya, a d'abord encouragé ses élèves, puis les anciens de la communauté, à exprimer leur culture et leurs traditions par la peinture. Ces peintures spectaculaires, caractérisées par des couleurs riches obtenues à partir de matériaux naturels, des motifs de points complexes et des dessins larges, sont uniques et racontent l'histoire des ancêtres aborigènes et la façon dont ils croient que le monde est né, appelés Dreaming (Rêves) ou Dreamtime (Temps du rêve).
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De ce mouvement de l'art du désert, l’artiste la plus importante est sans doute Emily Kame Kngwarreye, née en 1910 et ayant grandi dans la région reculée d'Utopia, dans le Territoire du Nord, où elle menait une vie rurale au sein d'une communauté aborigène. Aujourd'hui, son œuvre est reconnue dans le monde entier et figure dans certains des musées les plus prestigieux du monde, tout en atteignant des prix à sept chiffres lors de ventes aux enchères.
Voici cinq faits à connaître sur Emily Kame Kngwarreye :
1. Elle n'a commencé à peindre qu'à l'âge de 70 ans.
Pendant la majeure partie de sa vie, Emily a travaillé dans des ranchs de bétail, puis comme travailleuse de brousse, ce qui l'amenait à cuisiner et à fabriquer des objets artisanaux avec des matériaux locaux. Elle a été initiée à l'art et au design par le batik, un procédé qui consiste à teindre des tissus de différentes couleurs avec des colorants résistants à la cire et à créer ainsi des motifs complexes. Pratique indonésienne à l'origine, elle a été adoptée par deux femmes aborigènes de la région d'Emily dans les années 1970 et, en 1978, elle a participé à la création du Utopia Women's Batik Group (groupe des femmes d'Utopia pour le batik). Dix ans plus tard, les femmes d'Utopia ont été parrainées par une organisation pour peindre et des toiles ont été distribuées. À ce moment-là, Emily a plus de 70 ans et se met à peindre, car le batik est un processus intensif à son âge. Elle a déclaré : « J’en ai finalement eu assez... Je ne voulais pas continuer le dur labeur qu'exigeait le batik - faire bouillir le tissu encore et encore, allumer des feux et utiliser toute la poudre de savon, encore et encore. C'est pourquoi j'ai abandonné le batik et je suis passée à la toile - c'était plus facile ». Au cours des huit années qui ont suivi, elle a peint de manière prolifique, réalisant plus de 3 000 œuvres à l'acrylique.
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2. L'igname est son motif le plus durable
Son pays d'origine, avec sa flore et sa faune uniques, se retrouve dans toute son œuvre peinte. Si, à première vue, ses œuvres sont abstraites, ce sont les détails subtils qui révèlent des aspects de son ascendance, de sa culture et de son rêve. Un motif récurrent est l'igname, une racine incroyablement importante pour l'alimentation du peuple aborigène, ainsi qu'un symbole de fertilité et de renouveau. Le pencil yam, un type particulier de plante que l'on trouve en Australie, faisait partie de son Dreaming, et son terme aborigène est « kame », que l'on retrouve dans son nom. Nombre de ses œuvres tournent autour de l'igname dans des représentations abstraites de sa fleur ou de ses graines, symbole de vie et de beauté dans le rude paysage du désert.
3. Elle a représenté l'Australie à la Biennale de Venise en 1997
Un an après sa mort en 1996, le travail d'Emily Kame Kngwarreye a été présenté dans une exposition intitulée « Fluent » au pavillon australien de la Biennale de Venise de 1997. Son travail a été présenté aux côtés de deux autres artistes aborigènes australiennes, Yvonne Koolmatrie, une tisserande, et Judy Watson, une artiste multimédia.
La présence de trois artistes autochtones à la Biennale a été déterminante à l'aube du XXIe siècle pour faire connaître leur travail et leur culture au monde entier, ainsi que pour montrer la perspective importante des femmes artistes dans un mouvement qui a été fondé par des hommes.
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4. Un avion a été baptisé en son honneur
En 2019, un avion de Qantas, la plus grande compagnie aérienne australienne, a été décoré d'un motif inspiré de ses peintures. Le Boeing 787-9 Dreamliner a été baptisé Emily Kame Kngwarreye, et son design s'inspire de ses peintures Yam Dreaming. Depuis 1994, Qantas a introduit sa série « Flying Art » pour promouvoir la culture et l'art des aborigènes et des insulaires du Pacifique sur ses avions, reliant le passé ancien de leur Dreaming au développement futuriste du transport aérien.
5. Earth’s creation (La création de la Terre) a fait d'elle l'artiste féminine la plus chère d’Australie
En 2017, le record de vente aux enchères d'Emily Kame Kngwarreye a été établi avec la vente de Earth's Creation (1995) pour 2,1 millions de dollars australiens (1,24 millions d’euros), battant le précédent record établi par cette peinture en 2007 et faisant d'elle l'artiste féminine australienne la plus chère. Le tableau était auparavant détenu par la Mbantua Gallery & Cultural Museum d'Alice Springs, la troisième ville du Territoire du Nord, qui est devenue le centre de l'art aborigène contemporain. Considérée comme son chef-d'œuvre, les experts en art l'ont qualifiée de peinture la plus importante d'Australie. Elle a été vendue à Tim Olsen, de la galerie Olsen basée à Sydney et à New York. Aujourd'hui, ses œuvres figurent en bonne place dans tous les grands musées australiens, ainsi que dans des musées internationaux prestigieux tels que le British Museum, le National Museum of Women in the Arts à Washington et l'Art Institute of Chicago.
