Dès le début de la Première Guerre mondiale, Christopher Nevinson s'engage du côté français en tant qu'ambulancier. Son expérience avec les blessés le change à jamais, il se met à peindre les horreurs de la guerre dans un style fortement influencé par le futurisme et le cubisme.

En 1917, Christopher Nevinson est nommé artiste de guerre officiel, un poste qu'il occupe malgré beaucoup de controverse. À cette époque, son style évolue du modernisme au réalisme.

Son œuvre Paths of Glory a fait couler beaucoup d'encre. Alors qu'il représente deux soldats britanniques morts au combat et gisant dans la boue et les barbelés, l'oeuvre est jugée trop choquante pour être exposée lors de l'Exposition de Guerre. Nevinson, assumant son style réaliste et souhaitant révéler au grand public l'horreur de la guerre, exposera quand même la toile affranchie d'une mention "Censurée".

Cette même année, malgré quelques disputes, Nevinson s'attèle à décorer le Hall of Remembrance commandée par le Comité des Mémoriaux de guerre britannique. Encore une fois entravé, on l'empêche de reproduire cette oeuvre d'art à grande échelle.

En 1917, Nevinson créé The Road from Arras to Bapaume, une représentation hantante d'une route du Nord de la France. L'oeuvre est exposée à Leicester Galleries à Londres en mars 1918.

Les collines évoquent le sens du pastoralisme anglais, tandis que la seule route partant du dépôt d'Arras en direction du front rappelle les horreurs de la guerre. Les souches d'arbres et les fils de fer barbelés sont des témoins de la dévastation du conflit.

Cette oeuvre passera sous le marteau de Forum Auctions le 5 décembre prochain. D'autres grands noms seront aussi présentés comme Pablo Picasso, Joan Miro, Marc Chagall, René Magritte, Georges Braque, Keith Haring, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Patrick Caulfield, Richard Hamilton, Damien Hirst ou encore Bridget Riley.

Les oeuvres sont visibles au public à l'hôtel The Westbury à partir de 9h30 le jeudi 1er décembre. Retrouvez sur Barnebys le catalogue complet de la vente. 

Cent ans après le début de la Première Guerre mondiale, Barnebys s'intéresse au peintre anglais Christopher Nevinson, célèbre pour ses oeuvres de guerre. Le 5 décembre prochain, une de ses oeuvres passera sous le marteau de la maison Forum Auctions à Londres.

Les horreurs de la Première guerre mondiale vues par C. R. W. Nevinson

Quel est votre rapport à l'art? Comment avez-vous "atterri" dans cet univers?

Tout a commencé très tôt. À l'âge de six ans, mes parents ont divorcé et ça a été un moment très difficile pour moi car j'étais l'ainée de cinq enfants. Mon père a été un des premiers à installer une péniche sur la Seine et nous avons vécu en bas du palais de Chaillot. J'étais tous les weekends au milieu des oeuvres d'art, je me souviens des machines infernales de Jean Tinguely, des salles monochromes d'Yves Klein, du pouce de César. J'étais une enfant hypersensible et fragile et j'ai adoré ces weekends où on était plongés, connectés à cet univers artistique. Un vrai monde s'est ouvert à moi.

Très vite, jai su que je voulais devenir artiste. Pour moi, c'était une question de survie. Mon père peignait et c'est lui qui m'a enseigné la peinture au début. J'ai tout de suite été rebelle, je n'imaginais pas les choses comme elles devaient être ou comme on nous l'enseignait en Europe ou en France. Mon père voulait que je peigne la réalité sur un chevalet avec les lois de la perspective, les points de fuite, etc. Mais je n'imaginais pas la réalité comme lui.

Ensuite, je suis sortie dans les premiers des Beaux-Arts mais j'étais en désaccord total avec les cours, j'avais une vision de la vie comme une pensée en mouvement et la seule façon de la représenter ainsi c'était par la spontanéité. Ce ne sont pas dans les écoles que l'on apprend cela, alors mes professeurs m'ont incitée à partir en Asie.

Vous avez passé dix ans en Chine. Qu'est ce que ce long séjour en Asie vous a apporté, d'un point de vue artistique mais aussi personnel?

J'étais partie pour une année à la Sichuan Fine Arts Institut et j'y suis finalement restée dix ans. J'ai vraiment voulu faire le pas de penser autrement pour me former à une autre culture et pour pouvoir inventer de nouvelles formes.

Cela a été très difficile, j'ai remis en question tout ce que je croyais savoir. C'est là bas que j'ai appris cette technique de peinture à la verticale que j'ai développée en jouant avec la gravité. Cette peinture qui coule à la verticale est en accord avec toutes les autres formes du monde puisqu'elle nait de la même manière et c'est la gravité qui finit de la former. J'ai dédié ma vie à cette idée là.

Pourquoi avez-vous ressenti le besoin de rentrer en France?

Je suis rentrée pour des raisons de santé, et c'est en France que j'ai commencé a développer cette idée avec de nouveaux outils, de nouveaux pinceaux. J'ai coupé le manche du pinceau asiatique, j'y ai greffé un guidon de vélo et j'ai découvert une nouvelle dimension dans mon trait de peinture. J'étais beaucoup plus à l'aise avec mon corps pour traverser l'espace des toiles et pour donner une énergie au trait.

Récemment, j'ai dématérialisé le pinceau en utilisant uniquement un entonnoir et j'ai trouvé une nouvelle technique d'écriture que j'appelle les Walking Paintings.

Vous présentez en 2016 votre premier solo-show en Angleterre. Celui-ci présente quelques-unes de ces Walking Paintings. Pour cette série travaillez-vous uniquement les grands formats ?

Avec cette technique de l'entonnoir, oui. Il faut l'espace temps de la traversée pour sentir cette ligne de paysage abstrait.

Je présente dans cette exposition mes premiers monochromes noirs et bleus qui représentent l'expérience du celeste la nuit, les étoiles. J'y ai apposé une base argentée pour qu'on ressente cette myriade d'étoiles. Je me sens très connectée à la voute celeste, et avec ces toiles j'ai voulu apaiser les energies du reste de l'exposition avec toute la série liée aux compositions musicales et à mon passage à la Juilliard School.

Même si les expériences n'ont rien à voir entre les Walking Paintings et la série Rhythms and Reflections, le tout forme un ensemble cohérent et réfléchi.

En 2013, vous êtes invitée à réinventer les maîtres flamands dans l’exposition « Hommages aux maîtres flamands » au musée Groninge de Bruges. Ce projet est-il un aboutissement dans votre parcours artistique?

C'est en effet une étape très importante parce que je souffrais d'une chose, c'est qu'en France, on n'ait pas l'ouverture d'esprit de me proposer un projet comme celui-ci. Le fait d'avoir été formée en Chine me donnait une étiquette dont je n'arrivais pas à me séparer. Cette exposition m'a permis de me confronter à autre chose. Le défi de répondre aux maîtres flamands a été un magnifique projet. J'ai beaucoup appris.

Quel est votre procédé créatif? En amont, quelles sont les étapes préliminaires à vos oeuvres?

C'est une vie de contemplation du monde qui s'inscrit dans le temps et qui murit. Je remplis des carnets de note, je réfléchis, je contemple ce qui m'entoure.

Ensuite, je travaille énormément mes fonds pour obtenir une profondeur importante. Une fois que j'obtiens cette vibration du réel, je reste de longues heures devant, cette vision s'imprègne dans mon esprit et tout à coup je me lance dans la création.

Ce que j'essaye de faire passer dans mon art c'est que je n'ai pas besoin de peindre les formes du monde visible, elles apparaissent d'elles-mêmes.

Si j'insuffle assez de force à mon trait, ce trait crée lui-même une forme. Les forces sont donc naturellement à l'oeuvre.

La nature m'inspire, tout comme celle que l'on a en nous. Ce sont les forces du monde -de la nature et de notre intérieur- qui créent les formes visibles.

Trouvez-vous que votre art soit accessible a tous? Faut-il comprendre votre démarche pour pouvoir appréhender vos oeuvres?

Je ne crois pas que cela soit nécessaire de comprendre quoi que ce soit, car il y a une immediate perception du spectateur.

Ce qu'on lit dans notre imaginaire, c'est ce qui n'est pas peint. Chacun imagine différemment la réalité représentée selon une expérience différente.

C'est exactement ce qu'il s'est passé pendant mon experience à la Juilliard School ou j'ai expérimenté une nouvelle forme de structure abstraite: la musique. Un trait ne suffisait pas, il a fallu commencer à composer dans un mouvement d'énergie rythmée. Entre les lignes d'énergie, la réalité est apparue d'elle-même.

Vous êtes une artiste complète et vos oeuvres sont à la croisée des chemins du pictural, de la contemplation, de la musique, de la danse... Avez-vous déjà envisagé d'autres supports que la peinture pour vous exprimer?

Je m'exprime déjà en peinture, en dessin, en encre, avec mes carnets de notes aussi.

Je commence à réaliser de petits films avec mon mari et mon fils. Mon atelier est de plus en plus un laboratoire expérimental fou. L'oeil ne comprend que 45 images secondes, et il m'ont filmée a plus de 1000 images secondes. On voit la matière tomber par ondes successives, c'est sublime. Il faut vraiment le voir, vous verrez, c'est très impressionnant!

Fabienne Verdier: Rythms and Reflections - Waddington Custot Gallery, 11 Cork Street, London W1S 3LT. Du 25 novembre 2016 au 4 février 2017. Plus d'informations sur www.waddingtoncustot.com. 

Fabienne Verdier est une artiste française majeure formée auprès de maîtres calligraphes chinois. En s’appropriant cette technique traditionnelle pour la faire évoluer vers des formes contemporaines, elle est l’une des rares peintres à jeter des ponts entre l’Orient et l’Occident. "Rhythms and Reflections" est sa toute première exposition individuelle à Londres. Rencontre avec une artiste spirituelle.

Fabienne Verdier: "Être artiste, pour moi, c'est une question de survie"

Le Mont-de-Piété de Madrid a été fondé en 1702 pour venir en aide aux plus démunis en leur proposant des prêts à des taux modiques moyennant un gage.

Lorsque les bénéficiants ne peuvent rembourser le prêt, leurs biens sont mis en vente aux enchères. Le Crédit Municipal de Madrid propose ce mois-ci une jolie vente de bijoux et de montres vintage.

Les bijoux sont évalués par les experts du Crédit Municipal et une fois l'objet vendu le propriétaire reçoit le montant en espèces. En général, 95% des pièces sont récupérées par leurs propriétaires, et ce ne sont que les 5% restant qui passent aux enchères.

100% des bénéfices perçus dans l'acquisition d'un bijou sont alloués à une oeuvre sociale ou culturelle de la Fondation Montemadrid dédiée à l'intégration sociale, à l'environnement et à la culture.

L'exposition publique se tiendra jusqu'au mercredi 30 novembre et sera ouverte tous les jours de 8h30 à 14h. Elle se situera dans les locaux du Crédit Municipal de Madrid, Plaza de las Descalzas.

Découvrez ci-dessous quelques-uns des beaux modèles de montres qui seront présentés lors de la vente.

Vous pourrez enchérir en ligne du vendredi 28 novembre à 16h jusqu'au lundi 5 décembre à 12h. Une vente aux enchères physique aura lieu le jeudi 1er décembre à 17h Plaza de San Martin à Madrid.

Retrouvez tous les lots de la vente sur Barnebys. 

Un crédit municipal - ou mont-de-piété - est un organisme de prêt sur gage ayant pour mission de faciliter les prêts d'argent. Celui de Madrid propose le 28 novembre une vente aux enchères où seront dispersés des bijoux et des montres à prix intéressants.

Le crédit municipal, un bon moyen de s'offrir des bijoux et des montres

Les horreurs de la Première guerre mondiale vues par C. R. W. Nevinson

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