Au fil de l’histoire de l’art français, bien des œuvres sont entrées dans la mémoire collective, à commencer par les peintures paléolithiques de la grotte de Lascaux. Bien qu’on ne puisse vraiment quantifier les chefs-d’œuvre emblématiques français, en voici six qui ont particulièrement marqué les esprits.
Eugène Delacroix, La Liberté guidant le peuple
L’œuvre La Liberté guidant le peuple a été réalisée par Eugène Delacroix vers la fin de l’année 1830, après la chute du roi Charles X, le plus jeune frère de Louis XVI, décapité en 1793, au cours de la Révolution de juillet. Ce tableau de grand format représente la lutte des révolutionnaires à Paris, où une foule de citoyens est menée par Marianne brandissant le drapeau tricolore. Sur le bord droit du tableau, la fumée épaisse de l’arrière-plan se dissipe pour laisser entrevoir la cathédrale Notre-Dame de Paris, ainsi que les soldats de l’armée royale en pleine bataille. Le tableau fut exposé pour la première fois en 1831 au Salon de Paris, où il fut acquis par l’État français, alors dirigé par le roi-citoyen Louis-Philippe d’Orléans. Cependant, après avoir passé la majeure partie de son temps en dépôt, il fut rendu à Delacroix l’année suivante, car son message politique était alors trop explicite pour une monarchie. C’est en 1874 que la Troisième République racheta l’œuvre patriotique et l’exposa au Louvre, où elle peut encore être admirée aujourd’hui.
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Théodore Géricault, Le Radeau de la Méduse
L’exposition, en 1819, du tableau de Théodore Géricault intitulé Le Radeau de la Méduse fit grand bruit, car il faisait référence à un vrai naufrage, voire un scandale, qui s’était produit en haute mer en 1816. La frégate « Méduse », envoyée au Sénégal par le gouvernement français, s’était échouée sur un banc de sable au large de la côte ouest-africaine. Comme les quelques canots de sauvetage ne pouvaient pas accueillir tous les membres d’équipage et les passagers, un immense radeau pouvant accueillir environ 150 personnes fut construit, afin d’être tiré par les canots jusqu’à la terre ferme. Cependant, les cordages furent coupés peu de temps après et le radeau fut abandonné à son sort. Lorsqu’il fut découvert treize jours plus tard, seuls quinze hommes étaient encore en vie. Certains étaient tombés par-dessus bord, quand d’autres encore s’étaient suicidés ou avaient été abattus. Avec très peu de provisions à bord, les passagers avaient également été contraints de recourir au cannibalisme à plusieurs reprises. Pour réaliser son tableau, Géricault interrogea des rescapés du naufrage et mena des études approfondies dans les morgues des hôpitaux, allant jusqu’à emporter dans son atelier des membres sectionnés, et même une tête. Le scandale étant encore très présent en 1819, Géricault choisit, pour l’exposition au Salon, le titre neutre de Scène d’un naufrage.
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Hyacinthe Rigaud, Louis XIV en costume de sacre
Avec Louis XIV en costume de sacre de 1701, Hyacinthe Rigaud a réalisé le portrait le plus marquant d’un souverain absolutiste, représentant le Roi-Soleil à l’apogée de son pouvoir. Modèle à suivre pour les souverains de toute l’Europe, Louis XIV impressionnait par sa vie de cour fastueuse, régie par un protocole rigoureux, au sein du château de Versailles qu’il avait magnifiquement agrandi. Le détail le plus frappant du portrait est sans doute la représentation des jambes du roi, alors âgé de 63 ans, gainées dans des bas moulants. Dans sa jeunesse, le souverain aimait danser le ballet et s’était notamment produit dans le rôle du « Soleil » lors d’une soirée de ballet à la cour. On dit que le roi était particulièrement fier de ses jambes, bien qu’elles aient peut-être été quelque peu idéalisées sur le tableau. On remarque également ses pieds, chaussés de souliers à talons rouges, qui n’étaient pas seulement une mode, mais bien un symbole de son pouvoir, car leur port n’était réservé qu’au roi lui-même et aux plus puissants de sa cour. La force de ce portrait, habilement composé par Rigaud, émane non seulement de la pose de Louis XIV, mais plus particulièrement de tous les attributs choisis pour symboliser son pouvoir absolu.
Jacques-Louis David, Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard
En 1800, Jacques-Louis David a signé un portrait de souverain bien différent. On y aperçoit Napoléon Bonaparte, représenté de manière héroïque lors de la traversée du col du Saint-Bernard. Cet événement historique, survenu en mai 1800, a précédé la célèbre bataille de Marengo qui a marqué la victoire décisive de Napoléon sur le Saint-Empire romain germanique. À cette époque, Napoléon n’était pas encore empereur, mais il était, depuis peu, Premier Consul de la République. Sa main levée indique sans équivoque la direction que devait prendre son parcours : vers les plus hautes sphères. Les gravures de noms de personnages historiques comme Hannibal et Charlemagne, qui avaient eux aussi traversé les Alpes autrefois, ont pour objectif de placer Napoléon comme leur égal. Jacques-Louis David, un fervent partisan de la Révolution française et de Napoléon, est connu pour avoir signé d’autres œuvres emblématiques de son époque, comme La Mort de Marat (1793) et Le Couronnement de Napoléon (1805-1807). Le tableau original de la traversée des Alpes est exposé au château de Malmaison, résidence privée de Napoléon et de sa première épouse, Joséphine de Beauharnais. Jusqu’en 1802, quatre autres versions ont été réalisées, qui diffèrent de l’original par le choix des couleurs et les dimensions.
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Édouard Manet, Olympia
Le Salon de Paris, qui se tenait chaque année, était sans doute l'événement le plus important du calendrier artistique parisien. Tous les artistes importants ou qui aspiraient à l’être présentaient leurs meilleures œuvres sous les yeux aguerris des critiques, des marchands et des amateurs d’art. Mais le jury, strict et sévère, rejetait toutes les œuvres qui ne correspondaient pas au goût « académique » de l’époque. C’est pourquoi l’empereur Napoléon III créa, en 1863, le Salon des Refusés, où les tableaux jugés trop excentriques avaient une chance d’être exposés. Cette initiative mena des scandales pratiquement inévitables, et Édouard Manet en provoqua un dès la première année avec Le Déjeuner sur l’herbe, qui a choqué pour sa nudité trop désinvolte. En 1865, Manet fit encore parler de lui avec Olympia, présenté cette fois-ci directement au Salon officiel. Le public fut plus que choqué : de la nudité pour la nudité, sans aucune symbolique mythologique ou autre raison légitime. La femme représentée, qui regarde ses spectateurs avec tant d’assurance, était en effet manifestement une prostituée s’accordant une pause entre deux rendez-vous, tandis que sa servante attirait l’attention d’un autre client. Et comme si tout cela n’était pas déjà assez scandaleux, la technique picturale de Manet était vue d’un très mauvais œil. Autrefois critiquées par un public parisien au bord de l’évanouissement, les œuvres scandaleuses de Manet sont aujourd’hui considérées comme des chefs-d’œuvre qui, par leur style novateur, ont marqué le début de la peinture moderne.
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Claude Monet, Les Nymphéas
Ce n’est pas une œuvre isolée, mais tout un ensemble de tableaux, associé dans le monde entier à la peinture française, que constituent les célèbres tableaux de nymphéas de Claude Monet. Monet, auteur du tableau Impression, soleil levant (1872), qui a donné son nom à un nouveau courant artistique, s’est principalement consacré à ce motif au cours des trois dernières décennies de sa vie, pour lequel il avait fait aménager un étang de nénuphars dans le jardin de sa maison de campagne à Giverny. Fasciné par la surface réfléchissante de l’eau à différents moments de l’année et de la journée, Monet choisissait des cadrages dans lesquels, la plupart du temps, seuls les nénuphars eux-mêmes fournissaient un repère spatial, tandis que l’environnement et le ciel n’apparaissaient que sous forme de reflets. À partir de 1914 environ, Monet, alors âgé de plus de 70 ans et souffrant d’une grave affection oculaire, commença à réaliser huit panoramas monumentaux de nénuphars, qu’il offrit à l’État français après la fin de la Première Guerre mondiale en tant que symbole de paix. Si vous souhaitez vous plonger dans cet univers de lumière, d’eau et de reflets, il suffit de visiter le musée de l’Orangerie à Paris.
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